Inauguré en avril dernier, Campus MaNa est un lieu de formation professionnelle consacré au design, à l’architecture, aux arts et aux métiers d’arts. Les fondateurs – Thomas Dariel (designer) et Sophie Dariel, tous deux à la tête de l’éditeur de mobilier Maison Dada – ont installé ce campus en pleine campagne, dans l’ancienne annexe de l’École vétérinaire de Maisons-Alfort, à Champignelles-en-Puisaye (Yonne). MaNa, en référence à Manufacture nationale, place la transmission des savoir-faire et le travail de la main au cœur des pratiques. Le campus accueille les résidents professionnels en immersion durant plusieurs jours (de trois à dix jours). De tous horizons professionnels, les futurs apprenants – nommés MaNaïstes – partagent collectivement leur quotidien et leurs expériences, et repartent enrichis de celles des autres dans une synergie créative.

« La pensée sauvage » du philosophe et anthropologue Claude Lévi-Strauss oppose à la figure du bricoleur celle de l’ingénieur. Sans les hiérarchiser, il démontre deux logiques distinctes et redonne ses lettres de noblesse à l’activité du bricolage – ce fut d’ailleurs l’un des sujets du bac de philosophie en 2023. À la manière d’un amateur, d’un bricoleur ou à l’aide d’outil numérique, les trois jeunes designers que nous présentons ici abordent le travail du bois, plus exactement de la branche et du rondin, dans l’optique de « faire avec » ce qui se trouve sur place, une logique d’économie de moyens. Appartiennent-ils à un nouveau mouvement émergent de designers des bois, à l’image de ces étudiants en architecture de Hooke Park en Angleterre (voir le dossier du no 250 de d’a, décembre 2016-février 2017) ? Chacun utilise ces matières non exploitées, réévalue ce qui peut se faire avec ce que l’on considère comme acquis, et associe nouvelles technologies, fabrication robotique et numérisation 3D afin de mieux exploiter les matériaux organiques de la forêt.

Pour nos proches ou nous-même, nous sommes confrontés lors des rites funéraires à un environnement esthétique que nous maîtrisons peu. Nous sommes rarement préparés mais, surtout, c’est la puissance du lobby funéraire qui dicte ses choix. C’est sur catalogue que ces derniers se font, par l’intermédiaire d’un conseiller funéraire endossant la veste du conseiller commercial. L’offre y est standardisée à des prix prohibitifs et il est difficile d’échapper au kitsch funèbre qu’imposent les professionnels – même si certains surfent sur la vague écolo avec des cercueils en carton, des urnes en papier mâché, en sable ou en maïs, qui ressemblent à des Tetra Pak. Peu de designers se sont emparés du sujet. Le tabou est-il encore trop fort ? Ou les contraintes législatives sont-elles infranchissables ? Voici quelques propositions, plus ou moins récentes, qui questionnent notre rapport à la mort et repensent les objets funéraires en imaginant de nouveaux rites et cimetières plus respectueux pour le défunt, la famille et notre environnement.

Au dixième

Présentée lors de la 17e Design Parade d’Hyères à la villa Noailles, la collection de mobilier intitulée « Au Dixième » est pensée, construite et assemblée comme un bâtiment, à l’échelle 1/10e, tout le langage de l’architecture s’inscrivant dans le meuble. Sans clou, ni vis, chaque meuble est le résultat d’un assemblage spécifique de bois et de liens en corde noué, tressé ou tissé et d’une clef en marbre qui révèle les points de faiblesse et de tension. De cet assemblage empirique, qu’ils prototypent eux-mêmes, naît une réflexion sur les points forts et les points faibles des deux matériaux, le bois et la corde. La corde en papier maintient le bois en évitant au maximum le recours à la quincaillerie, et les liens mettent en avant les jonctions et soulignent les fondamentaux de la structure. Parce qu’une fine feuille de bois se tord facilement, elle sera renforcée par l’utilisation de la corde. Construit en pièce unique ou en petite série, le mobilier est envisagé comme un bâtiment. Cette écriture très personnelle est également nourrie d’influences esthétiques multiples venues du mobilier africain et indien.

De par sa situation géographique et historique, l’Ukraine est une terre inconnue entre l’Est et l’Ouest. Depuis la révolution de 2014, un élan de liberté et de créations s’est emparé de ce pays, notamment dans le domaine du design, contribuant à l’éclosion d’un style ukrainien. Jeunes architectes et designers s’ouvrent internationalement et revendiquent avec force et énergie leur identité et leur culture à travers leurs projets singuliers, avec une approche durable et écoresponsable. La guerre qui fait rage aujourd’hui n’entame pas leur détermination de création et leur force de propositions. Les designers continuent à produire et à expédier leurs créations, exposent en Europe, comme au salon Maison & Objet en septembre prochain. Anastasiia Biletska et Sana Moreau, fondatrice de la galerie Maïno Design, qui distribue le design ukrainien en Europe, se réjouissent de ces opportunités renouvelées chaque année depuis 2016 : « Ce salon offre un énorme potentiel et nous donne une légitimité. Les conférences, les programmes mettent en avant l’aspect culturel, et les équipes valorisent depuis toujours les jeunes talents. Nos marques et nos designers ont reçu des prix internationaux et collaborent avec des labels du monde entier. Il était temps que les choses bougent et qu’ils soient reconnus. » Cette énergie décuplée depuis la guerre affirme leur résistance. 

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